Primera persona

My Expansive Awareness: cuenta atrás para Going Nowhere

Cuenta atrás para la vuelta de My Expansive Awareness, una de las formaciones revelación de estos últimos años, de nuevo en Analog Love, colectivo afincado en Aragón que firma aquí su cuarta referencia física en tres años -aprovechamos la entrevista, de hecho, para recuperar nuestras charlas con otros grupos del sello como Exnovios o Celica xx– . Lo nuevo de My Expansive Awareness es Going Nowhere (Analog Love, 2017), disco que verá la luz el próximo 13 de febrero y que cuenta hasta la fecha con el tema de adelanto ‘The wheel‘ como botón de muestra. El single fue definido en el momento de su estreno como un “recorrido introspectivo y reverberado en busca de una identidad; un camino que no llega a ninguna parte pero que puede conducir a cualquier sitio” y sirve como avanzadilla para un trabajo que volverá a moverse entre la psicodelia, el garage-psych y el rock especial, abriéndose eso sí a nuevas sonoridades si atendemos a lo prometido en las notas promocionales del disco.

El nuevo trabajo de My Expansive Awareness llega después de una trayectoria intensa en lo relativo a conciertos, tras su paso por festivales como el Monkey Week, Primavera Sound o Milhoes de Festa y fue grabado en el Laboratorio Audiovisual de Zaragoza y mezclado en los Estudios Circo Perroti por Jorge Explosion.

Antes de la salida del disco la banda estrenaba el clip de ‘The weel‘ como declaración de intenciones. Con dirección de Jonathan Cremades, el estreno del clip nos sirve para charlar con José Briceño (voz y guitarra) sobre los propósitos abiertos con su nuevo trabajo de estudio.

ENTREVISTA: R. IZQUIERDO | FOTOGRAFÍA:

El otro día nos llegó la nota de prensa de vuestro segundo trabajo de estudio. ¿Qué nuevas vías buscabais en este segundo trabajo?
No buscábamos nada en concreto, simplemente sabíamos que para seguir avanzando teníamos que hacer un disco nuevo con todos las canciones que se iban acumulando. Para nosotros es algo natural: tocar en el local y en casa, componer, grabar, hacer conciertos, tocar, componer, grabar, hacer conciertos.. y así hasta el infinito aunque no necesariamente en ese orden.

En las notas se describe el disco como “un camino en el que perderse, una senda sonora orienta a la expansión”. ¿Qué tipo de sonoridad buscabais en este nuevo trabajo?
No solemos tener ideas preestablecidas muy concretas acerca de la sonoridad de un disco, más allá del sonido que aportan nuestros instrumentos, pedales y gustos musicales. En el local jugamos con eso y vamos encajando las piezas del puzle de la manera que más nos gusta, pero luego en el estudio es otra historia porque según el equipo que haya y los conocimientos del productor, todo cambia. Lo que si sabemos es lo que no queremos y algunas cosas que nos gustan, a partir de ahí el proceso de buscar el sonido de un disco es algo muy libre y fluido.

Os movéis entre la psicodelia, el garage-psych y el rock espacial, géneros a los que de hecho se os ha vinculado más o menos desde vuestros primeros trabajos. Siempre que hablamos con bandas afines como Celica XX hablan muy bien de vosotros. ¿Qué importancia le dais al hecho de formar parte de uan escena en concreto? ¿Os ayuda a crecer como grupo?
Es bastante gratificante saber que no estás loco tú solo y que hay más personas y grupos que comparten tus gustos y maneras de entender la vida y la música. En ese sentido, las escenas son importantes, sobre todo en el nivel underground en el que nosotros nos movemos, ya que te conecta con músicos, salas, promotores o festivales de muchas ciudades y países distintos, y eso te ayuda a saber donde buscar bolos para tu grupo, con que gente tocar, puedes descubrir un estudio donde un grupo que te mola ha grabado, un sello en el que encaje tu música, etc.

Más allá de los sonidos habituales coqueteáis con nuevos sonidos, como el folk o el reggae. ¿Era importante para vosotros no estancaros?
Más que no estancarnos lo que queríamos era ir más allá y probar cosas nuevas. Nosotros no pensamos o planificamos mucho la música sino que tocamos, creamos, disfrutamos y luego nos paramos a analizar cómo puede encajar eso y de qué manera cobran sentido las canciones que han surgido. Sentimos, hacemos y luego pensamos.

A nivel temático, ¿creéis que Going Nowhere sigue un leit motiv concreto? ¿Hay en vuestra música un mensaje más o menos constante?
Podría decirse que si. Hay algunos temas que van apareciendo una y otra vez: la vida, la muerte, el universo, la libertad, las decisiones personales, las amistades, la mente… Este disco habla sobretodo de la búsqueda de la identidad de cada uno, de saber que es lo que realmente te gusta e ir a por ello. También habla de la desesperación que muchas veces supone la búsqueda de esos sueños, de la frustración y las complicaciones que aparecen en el camino. Sin embargo el mensaje final es positivo y esta relacionado con la asimilación de la realidad en la que uno vive, el desarrollo de nuestras potencialidades y la conexión con la naturaleza y el cosmos.

Hablemos del trabajo interno del grupo. El hecho de incorporar nuevos sonidos, ¿se debe a un cambio en vuestra forma de trabajar?
No, a nivel interno del grupo hemos trabajado de la misma manera que para discos anteriores.

Acreditáis ya una trayectoria de tres años, aunque seguramente 2016 ha sido el curso de vuestro crecimiento más evidente. ¿Qué es lo que más valoráis de haber entrado en la rueda de festivales? ¿Hasta qué punto ha reforzado vuestro directo?
Lo que más valoramos de haber entrado en la rueda de festivales es poder disfrutar de escenarios grandes con equipos buenos y todo lo que eso implica. Además, esos festivales te dan mucha visibilidad a nivel de promo en medios y también tienen un gran punto positivo en el hecho de que cuando tocas te ve gente de sitios muy diferentes. De todas formas, lo que ha reforzado nuestro directo han sido los ensayos en el local y los bolos pequeños en salas que hemos hecho durante estos 3 años a veces delante de 200 personas y otras delante de 5, a veces con monitores y sonido impecable y otras a pelo y oyendo una bola de sonido en la que no distingues nada.

El disco lo grabáis en el Laboratorio Audiovisual de Zaragoza. A nivel de producción, ¿qué variaciones ha habido respecto a vuestras anteriores grabaciones?
Ha sido bastante diferente a las demás sobre todo porque han participado más personas y estudios. Primero grabamos todos los instrumentos y voces en el Laboratorio Audiovisual de Zaragoza siguiendo el mismo proceso que hemos seguido otras veces: grabar en directo batería, bajo, teclado y guitarra para después añadir sobre esa base las voces y más guitarras, arreglos, sintes percusiones, etc. Después, le enviamos todas las pistas a Jorge Explosion para que las mezclara es su Circo Perroti de Gijón. Estuvimos un día con él en el estudio escuchando canción por canción y comentando cosas juntos para que más o menos supiera el por qué de determinadas cuestiones y nuestras intenciones para cada canción. A partir de ahí él fue mezclando los temas, aportado su visión en cada caso y manejando su maquinaria analógica como solo él sabe hacer. Mediante email nos iba pasando las mezclas y nosotros le íbamos haciendo comentarios hasta que dábamos con un resultado con el que todos estuviéramos contentos. Por último, Javier Roldón fue el encargado de masterizar las canciones. La verdad es que hizo un gran trabajo. Le sacó un brillo, una definición y una potencia al disco que consiguió equilibrar la balanza y lograr un gran resultado sonoro, respetando siempre la mezcla y nuestras intenciones.

Colabora en dos temas Kim Fasticks. ¿Qué aportó a las grabaciones?
Estamos muy contentos con su colaboración y nos hubiera gustado contar con su voz en más canciones. Sin embargo no pudo ser porque su participación surgió de manera espontánea e improvisada. Uno de los fines de semana en los que estábamos grabando coincidimos con él y le invitamos a que se acercara por el estudio una tarde a probar algunos coros así que a los pocos días apareció por allí y le enseñamos las canciones. Hicimos algunas pruebas y nos quedamos con lo que más nos gustó y al cabo de un par de horas estaba hecho. No tuvimos tiempo de hacer más pero nos habría encantado.

¿Qué es lo que más valoráis en colaboraciones externas? ¿Ayuda en encontrar nuevas o segundas vías a las canciones que traéis trabajada desde el local?
No habíamos hecho casi ninguna colaboración sin contar la de Kim Fasticks así que no tenemos una opinión formada al respecto.

No sé hasta que punto hacéis primar la importancia de lo visual, pero me gustaría aprovechar para hablar del diseño de producción artístico (de portada). ¿Qué podéis contarnos del artwork?
El artwork en este último disco es obra de Ana Rivera aka Plástica, una artista gallega de gran talento. La teníamos fichada por internet y como nos gustaba mucho su trabajo y pensábamos que podía encajar con lo que llevábamos en mente, le escribimos y le hicimos la propuesta. Desde el primer momento estuvo encantada de trabajar con nosotros y el resultado ha sido maravilloso así que poco más se puede decir.

Repetís en Analog Love, sello al que estáis muy vinculados. ¿Qué es lo que más os aporta como sello?
Analog Love y My Expansive Awareness han sido siempre dos proyectos que han ido de la mano ya que ambos surgieron prácticamente a la vez. Varios miembros de M.E.A. formamos parte del Analog Love por lo que en cierto modo es como si nos autoeditáramos. Ahora la familia Analog está creciendo y se van incorporando nuevos grupos lo cual es muy enriquecedor para todos.

Recupera el primer trabajo de My Expansive Awareness en Bandcamp:

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